Ce n'est pas une harpe. Treize cordes de même longueur, des chevalets qu'on déplace pour accorder, et un instrument dont chaque partie porte le nom d'un morceau de dragon.

Les pressions de la main gauche derrière les chevalets, le portamento, les harmoniques, et les effets qui imitent les insectes, le vent ou les pétales qui tombent.

Le chant populaire le plus connu du Japon, joué et chanté par tout le groupe après une journée de koto.

Monter d'un demi-ton ou d'un ton en appuyant derrière le chevalet, au bon endroit et avec la bonne force. Un geste qui fait mal les premiers jours.

Le pouce ne pince pas, il pousse vers l'instrument et la force vient de l'avant-bras. Puis la tablature japonaise : de haut en bas, de droite à gauche, un numéro par corde.

Miyako-bushi, ritsu, min'yō, et la gamme d'Okinawa : on change deux degrés et tout le paysage change. Démonstration de chaque gamme, puis une pièce d'Okinawa.

Le père du koto moderne, qui a fait dialoguer instruments japonais et occidentaux, et la pièce que tout le Japon entend au Nouvel An, jouée ici à la flûte et au koto.

Les questions des stagiaires : à quelle fréquence on accorde, comment se lit la partition, comment on mémorise une pièce traditionnelle, et l'histoire des musiciens aveugles.

Une forme ancienne qui compte en temps plutôt qu'en phrases, cinquante-deux temps par variation, silences compris. Midare joué par Bobby Griffin et Nakagawa-sensei, puis sa version moderne.

Ne jamais transposer, chanter entre les notes, garder le grain : ce que la voix japonaise fait que la voix occidentale évite, avec un chant min'yō par Yuzu.

L'ancêtre du shamisen, venu de Chine par Okinawa, avec sa peau de serpent et ses cycles rythmiques qui accompagnent la voix.

Avec Yuzu : le plectre, du petit bachi de Tsugaru au grand bachi du jiuta, les positions de frappe, les sons pincés et frottés de la main gauche.

Yuzu présente le shamisen : trois cordes, trois couleurs, et ce bourdonnement de la corde grave qu'une oreille occidentale prend d'abord pour un défaut. C'est la sawari, et c'est voulu.

Bobby Griffin au koto et Yuzu au shamisen jouent une pièce du répertoire jiuta, puis l'expliquent : quatre poèmes, quatre saisons, et toutes les techniques de la leçon précédente au service de l'image.

Bobby Griffin se présente, présente sa maîtresse Nakagawa-sensei et la chanteuse Yuzu au shamisen, et annonce le fil de la journée : ce qui sépare la musique japonaise de la musique occidentale.

Toutes les parties réunies : la pièce jouée en entier par le groupe, puis reprise jusqu'à ce qu'elle tienne.

Le grand tambour sur son support, le jeu à plusieurs sur un même instrument, et le groupe qui tient le contretemps.

La partie la plus physique de la pièce décomposée temps par temps, d'abord très lentement, puis à vitesse réelle.

On apprend d'abord sans tambour : les positions, l'orientation, le geste du bras, puis on passe sur la peau.

Un travail en cercle qui mêle rythmes anciens et rythmes actuels, avec les entrées décalées de chaque groupe.

Se répartir les parties, changer de place sans perdre le temps, et l'histoire des exilés de l'île de Hachijō qui ont fait du taiko leur voix.

Des rythmes courts, comptés à voix haute, repris par tout le groupe jusqu'à ce que le son devienne un seul son.

Pieds écartés, genoux souples, la baguette tenue sans serrer : Eva Kestner installe le corps avant le premier coup.

Franco Mannara pose la différence entre une note MIDI, qui est un ordre, et un son enregistré, qui est un fichier.

Session et Arrangement, la touche Tab pour passer de l'une à l'autre, puis les pistes MIDI, audio et la tranche de console.

Mettre une réverbe directement sur une piste ou l'envoyer sur une piste de retour : deux logiques, deux résultats.

La Session pour tester des idées très vite et jouer sur scène, l'Arrangement pour construire un morceau dans le temps.

Le clip MIDI de près, l'affichage de la gamme, et les outils qui changent selon la position de la souris ou du trackpad.

Enregistrer par-dessus sans effacer, puis recaler ce qu'on a joué sur la grille, avec les réglages de la version 12.

On part d'un set vide. Franco montre ce que Live ouvre par défaut (deux pistes MIDI, deux pistes audio), puis parcourt le navigateur, écoute des kits de batterie avec la pré-écoute, en charge un sur une piste et lance le métronome. C'est la leçon à regarder en premier si vous n'avez jamais ouvert...

Pas de clavier maître ? La rangée QSDFG joue les touches blanches, la rangée AZE les noires, W et X déplacent l'octave. Franco explique surtout pourquoi on n'entend parfois rien : les carrés jaunes se trouvent au-dessus de la zone où il y a des sons.

Démonstration continue. Un Drum Rack n'est pas un synthé : il ne répond que sur la zone de touches où des sons sont chargés. Franco ouvre la machine, montre les pads, les macros, la colonne de zone, et rappelle qu'on peut y glisser n'importe quel fichier audio : WAV, AIFF, MP3, un enregistrement ...

Cmd+R pour renommer, duplication de scène pour aller vite, et le petit rond d'overdub pour ajouter une charleston sur une batterie déjà enregistrée sans l'écraser. C'est la différence entre enregistrer et ajouter.

Réduire la longueur de boucle d'un clip, recopier les clips pour dessiner une structure, et assigner un tempo différent à chaque scène.

Notion courte et décisive en situation de jeu. Par défaut Live attend la fin de la mesure ; on peut lui demander d'attendre deux ou quatre mesures, ou de partir immédiatement. Franco explique ce que ça change quand on joue en concert.

On a préparé ses lignes en Session ; on appuie sur rec dans l'Arrangement et on joue sa structure en direct. Tout est enregistré, automations d'effet comprises. C'est le cœur de la première partie de la séance.

Pilote audio non déclaré, piste non armée, confusion entre solo et enregistrement. Ce sont les trois raisons pour lesquelles on clique sur rec et qu'il ne se passe rien.

Court et définitif : en Bluetooth, on joue et on entend le son bien après. Il faut un casque filaire.

Réglage du décompte à une ou deux mesures, et quantification à l'enregistrement à la croche ou à la double-croche selon la complexité de ce qu'on joue.

Si vous remettez le clip en enregistrement, vous écrasez. Le rond d'overdub ajoute.

Le malentendu le plus fréquent de la journée. Dès qu'on lit l'Arrangement, la Session passe en gris et ne répond plus. Le bouton orange Retour à l'Arrangement rend la main.

Franco reprend au poste d'une participante : si on ne joue pas sur le métronome, la quantification à l'enregistrement recale sur des valeurs qui ne sont pas celles qu'on a jouées. Il montre aussi le bouton stop du master et le comportement d'arrêt en fin de mesure.

Franco explique pourquoi il ne joue pas en concert depuis l'Arrangement, et ce à quoi cette fenêtre sert vraiment : rallonger un clip MIDI, travailler par mesures entières pour ne pas se décaler, poser des repères nommés, dupliquer une zone temporelle pour essayer une deuxième version sans touche...

Reverb, delay, tempo, volume : Franco dessine les courbes à la souris, montre l'outil stylo, et explique qu'on peut aussi enregistrer les mouvements d'un contrôleur. Il termine par l'usage en concert : déclencher un delay sur une voix en direct à une mesure précise.

Un fichier audio importé est warpé : il suit le tempo de la session. Franco montre la détection de BPM, ce qui se passe quand le fichier est arythmique, comment désactiver le warp pour retrouver la vitesse d'origine, et pourquoi le MIDI, lui, suit toujours le tempo.

La séquence qui relie la MAO au travail de captation urbaine : Franco crée une piste MIDI, y glisse un Simpler vide, y charge un extrait (sa propre voix, un bruit de camion, le shamisen enregistré la veille) et le joue comme un instrument. Il explique la sensibilité de détection et la conversion ...

Trois stratégies, expliquées à la suite : garder l'enregistrement entier comme matière de fond, en découper les morceaux qui fonctionnent, ou le charger dans un sampler pour en faire un instrument, puis doubler la même partie MIDI avec un synthé.

Les trois modes du Simpler et ce qu'ils changent au clavier. Puis le monitoring In / Auto / Off, indispensable en concert. Et enfin la manipulation à connaître : quand un fichier a été bricolé en warp, mieux vaut le réimporter.